(J. L. Celada) Nunca ha ocultado que se siente mejor tratado en Europa que en Hollywood y quién sabe si, para agradecer esa gran acogida que aquí se le dispensa, Woody Allen decidió un día rodar en algunas de sus principales capitales. Sin embargo, a tenor de los resultados (discretos, cuando no fallidos), queda claro que sus musas no hacen turismo; que, por mucho interés y admiración que despierten en él nuestros ancestrales entornos y costumbres, su inspiración sigue domiciliada en Nueva York.

Tras la decepcionante Vicky Cristina Barcelona, el prolífico cineasta nos reconcilió con su mejor versión, demostrándonos que Si la cosa funciona es gracias a su afilada pluma y no a estos viajes de placer disfrazados de nuevas inquietudes profesionales. Claro que, camino de los 75 años y con medio centenar de títulos en su haber, resulta casi tan difícil reconducirle al Manhattan de sus éxitos como resistirse a ver cada estreno suyo. Sólo así se explicaría su vuelta a las andadas con el último trabajo llegado a nuestro país, Conocerás al hombre de tus sueños, y la consiguiente recaída del espectador ante esta película sin alma.

“Un poco de amor, algo de sexo, alguna traición y, por si fuera poco, un puñado de carcajadas”. Generosa, pero significativa, descripción la que ofrece de sí misma en una de sus sinopsis esta supuesta comedia. Un narrador un tanto cansino nos pone en situación: dos matrimonios encarnan ese “cuento de ruido y furia” –en expresión shakesperiana– que depara la vida entre miedos (a envejecer, a fracasar…), pasiones, ambiciones y obsesiones (lugar común en la cinematografía de Allen al que aquí apenas extrae todo su potencial).

Lo que el realizador de origen judío ponía en otro tiempo en manos del psicoanalista de turno, ahora ha decidido canalizarlo a través de una médium o falsa adivina (una de sus premoniciones habituales es la que da nombre a la cinta), cuya figura es el estilete de un universo que ironiza con la New Age, el ocultismo y las ilusiones como medicina altamente recomendable. Interesante perspectiva para reflexionar sobre la fugacidad de la existencia, aunque desaprovechada por una nómina de personajes demasiado familiares (escritores en crisis, músicos, galeristas, actrices de medio pelo…) y sin la menor gracia.

Bien es cierto que todos ellos tienen algo de su creador (inseguridad, cinismo, paranoias…), pero en esta ocasión el veterano director y guionista no ha sabido imprimir a la historia ni el humor ni el ritmo necesarios para reírnos con sus absurdas huidas de la realidad o compartir sus miserias y soledades. Aquella ácida mirada de no hace tanto se ha diluido en una triste y desangelada radiografía humana que dice poco y transmite aún menos. Otra vez será, aunque no parece París el escenario más propicio para enderezar el rumbo.

FICHA TÉCNICA

TÍTULO ORIGINAL: You will meet a tall dark stranger

GUIÓN Y DIRECCIÓN: Woody Allen

FOTOGRAFÍA: Vilmos Zsigmond

PRODUCCIÓN: Letty Aronson, Stephen Tenenbaum y Jaume Roures

INTÉRPRETES: Gemma Jones, Antonio Banderas, Josh Brolin, Anthony Hopkins, Freida Pinto, Lucy Punch, Naomi Watts, Roger Ashton-Griffiths

En el nº 2.719 de Vida Nueva.

(J. L. Celada) Nos cuesta reconocerlo, pero cristianos y musulmanes, occidentales y orientales, de la ciudad y del campo, “nuestras vidas no son tan diferentes”. Ésta es, posiblemente, la gran lección que nos deja London river, coproducción franco-británica-argelina acerca de la tolerancia como pilar fundamental para la convivencia, sobre un escenario de barbarie y sinrazón.

Sin embargo, hasta que uno de sus protagonistas acaba por admitir tan tozuda evidencia, el nuevo trabajo de Rachid Bouchareb recorre antes la peligrosa senda de los prejuicios. Demasiado frecuentes, aunque temerarios, compañeros viaje en estos tiempos de terrorismo global y aflicción personal. Justificados –argumentalmente, eso sí–, habida cuenta de dónde y cuándo sitúa la acción de su historia: Londres, 7 de julio de 2005, día en el que varias explosiones en la red de transportes de la ciudad dejaron un trágico balance de 56 muertos y varios cientos de heridos.

El cine estadounidense se ha venido asomando ya desde muy diversos frentes al 11-S con sus sobrecogedoras huellas del fanatismo islamista; no así la industria española del celuloide con el madrileño 11-M. Ahora, de la mano de este director parisino de origen norteafricano, le ha tocado el turno a otra fatídica fecha: el 7-J. Claro que aquellos atentados son sólo el pretexto, el punto de partida (además del telón de fondo) de un drama sencillo y contenido que reúne a los progenitores de dos posibles víctimas de ese infausto suceso.

Ella (la incomparable Brenda Blethyn), blanca, británica y anglicana, es la madre de una joven desaparecida por entonces; él (el malogrado Sotigui Kouyaté), negro, africano y fiel seguidor del islam, busca también a su hijo para poder regresar con buenas noticias a su tierra. Ambos se enfrentan a horas de angustia e incertidumbre, de silencios insoportables y sentimientos encontrados. Todo ello administrado con pulso firme y exquisito respeto (incluido el abundante material de archivo real de los hechos), si bien el realizador sucumbe a un cierto maniqueísmo (los recelos entre esta pareja condenada a entenderse siempre apuntan en una única dirección) que restaría credibilidad a su propuesta de no ser por la calidad de las interpretaciones y el sincero mensaje final de la cinta que pone en boca de su actor principal: “La verdadera felicidad es amar la vida”.

Mientras, uno y otra irán descubriéndose y descubriendo que, a pesar de sus diferencias de raza, lengua y religión, comparten idénticos motivos de alegría, temor o dolor, de los que sus respectivos rostros son el mejor altavoz. Casi en la misma medida en que London river lo es del Londres actual. Porque, incluso admitiendo la excepcionalidad del contexto elegido, la capital británica encuentra aquí un escaparate más próximo a la realidad del que han querido mostrarnos títulos como Notting Hill o Love actually.

FICHA TÉCNICA

TÍTULO ORIGINAL: London river

DIRECCIÓN: Rachid Bouchareb

GUIÓN: Rachid Bouchareb, Zoé Galeron y Olivier Lorelle

FOTOGRAFÍA: Jérôme Alméras

MÚSICA: Armand Amar

PRODUCCIÓN: Rachid Bouchareb y Jean Bréhat

INTÉRPRETES: Brenda Blethyn, Sotigui Kouyaté, Francis Magee, Sami Bouajila, Roschdy Zem, Marc Baylis

En el nº 2.718 de Vida Nueva.

(J. L. Celada) Nos enseñaron que los seres vivos cumplen un ciclo (nacen, crecen, se reproducen y mueren); y muchas de las obras humanas, también, aunque no parece que la mayoría de producciones cinematográficas respeten tal principio. Acuciada por la falta de ideas o por la tentación del dinero fácil, la industria del celuloide exprime una idea afortunada sin importarle que, al arrastrarla de secuela en secuela, acabe por deslucir su brillo original. Todo por no saber bajar a tiempo el telón del éxito.

Por fortuna, no es éste el caso de Toy Story 3, espléndido cierre a una trilogía surgida hace ya 15 años que no sólo ha dignificado el mundo de la animación, elevándolo a la categoría de clásico, sino que ha humanizado a un puñado de juguetes hasta el punto de que –como sus propios creadores– sienten que han cumplido un ciclo. Así, Disney Pixar completa su exitosa propuesta en tres entregas coincidiendo con la “jubilación” de esos entrañables personajes, cuyo servicio en el viejo escenario de tantos y tan divertidos juegos toca a su fin.

Aquel niño, dueño y cómplice de sus travesuras, ha cumplido los 17 y le llega la hora de hacer las maletas para marchar a la universidad. Es entonces cuando surge la nostálgica pregunta que da pie a esta nueva y definitiva aventura: ¿qué hacer con los juguetes de la infancia guardados en el baúl de los recuerdos? Un triple destino se cierne sobre ellos: el desván, la basura o ser entregados como regalo o donación.

Ante la inminente e inevitable posibilidad de un nuevo hogar, nuestros amigos (liderados por el intrépido cowboy Woody y su inseparable Buzz Lightyear, ese simpático astronauta que aquí sufre sorprendentes transformaciones por una feliz exigencia del guión) se ven obligados a emplear todos sus recursos y su ingenio para permanecer unidos y no ser pasto de las llamas en el vertedero. Sin embargo, su gran batalla –y la que ocupa buena parte del metraje de la cinta– se libra en una guardería, el lugar donde se escenifican actitudes y situaciones próximas a las que distinguen a cualquier ser de carne y hueso.

Las luchas de poder con los inquilinos más veteranos del recinto (conviene no perder de vista incorporaciones tan logradas y provocadoras como las de un malvado oso de peluche, un bebé gigante con aires de matón o el mismísimo Ken y su desfile de modelos) brindan la oportunidad de mostrar un catálogo de sentimientos y valores fácilmente identificables para pequeños y grandes. Mientras tanto, el espectador asiste gozoso a un recital de gran cine: por la envidiable imaginación de la historia y por la exquisita calidad técnica de sus imágenes.

Toy Story 3 vuelve a hacer de la fantasía el más inocente (o perverso) instrumento de hipnosis; y del cine, un ejercicio de gracia, ritmo y frescura difícil de mejorar. No en vano, redondea una trilogía llamada a ser preciado objeto de culto para coleccionistas.

FICHA TÉCNICA

TÍTULO ORIGINAL: Toy Story 3

DIRECCIÓN: Lee Unkrich

GUIÓN: Michael Arndt

MÚSICA: Randy Newman

PRODUCCIÓN: John Lasseter y Darla K. Anderson

INTÉRPRETES (VOCES): Tom Hanks, Tim Allen, Joan Cusack, Ned Beatty, Don Rickles, Michael Keaton, Wallace Shawn, John Ratzenberger, Estelle Harris

En el nº 2.717 de Vida Nueva.

(J. L. Celada) En Las mil y una noches, Sherezade relataba asombrosos cuentos al sultán, en un intento desesperado por obtener el indulto de quien antes había ordenado la muerte de tantas mujeres. Varios siglos después, en el Egipto actual, aquella terapia oral de supervivencia empleada por la narradora de uno de los grandes clásicos de la literatura oriental adopta los usos (talk show) y el lenguaje (televisivo) de los tiempos que corren como vehículo de denuncia más que de resistencia.

Así plantea Yousry Nasrallah su última producción, Mujeres de El Cairo, un melodrama acerca de un colectivo oprimido que acaba rebelándose contra la tiranía de una sociedad misógina, cuyos hogares, sin embargo, dependen en más del 70% del trabajo femenino. La vida de cuatro mujeres, muy distintas entre sí en posición y oportunidades, nos pone en la senda de dilemas tan desafiantes como decisivos (matrimonio o carrera, amor o deseo…), aunque siempre sobre el telón de fondo de un recurrente caballo de batalla: la sexualidad y su dolorosa instrumentalización al servicio de una represión que traspasa los límites de la relación de pareja para instalarse en el tejido social de todo un país.

Dos jóvenes periodistas de éxito recién casados tensan de tal modo el hilo casi invisible que separa lo personal de lo profesional, que ella se aviene a prescindir de los debates políticos en prime time para no poner en peligro el ansiado ascenso de su esposo. Decide entonces prestar sus micrófonos y cámaras a las voces y rostros anónimos de varias mujeres con algo que contar, personas reales cuyas historias nos depararán giros inesperados y trágicas sorpresas.

Con una puesta en escena que combina la minuciosidad de los ambientes con el atrevimiento de los tonos y un hábil manejo del plano secuencia, el director manifiesta su deliberada intención de poner el dedo en la llaga de una realidad donde política, cultura y religión se confunden en detrimento de los seres más indefensos. Se trata de jóvenes atrapadas bajo el velo de tradiciones caducas, que reivindican su derecho a elegir (y a amar) en libertad, alejadas de los códigos de honor y otros trasnochados peajes de género.

Y para que todo resulte más creíble e interpelador, nada como convertir a la protagonista en invitada de su propio programa, momento en el que la cinta toca a su fin envuelta en un cierto aire de culebrón de sobremesa. Bien es cierto que esto ni perjudica a su ritmo ni al valor de su mensaje.

Sin ser la película de vocación documental que confiábamos encontrar, Mujeres de El Cairo sí contiene, por contra, la factura de cine comercial tan necesaria para acercarse al espectador y un elevado grado de compromiso para calar en él. Ingredientes ambos que nos permiten a los occidentales asomarnos a estas propuestas sin complejos ni prejuicios. Hagan la prueba.

FICHA TÉCNICA

TÍTULO ORIGINAL: Ehky ya Schahrazad

DIRECCIÓN: Yousry Nasrallah

GUIÓN: Waheed Hamed

FOTOGRAFÍA: Samir Bahsan

MÚSICA: Tamer Karawan

PRODUCCIÓN: Kamel Abou Ali

INTÉRPRETES: Mona Zakki, Mahmoud Hemeida, Hassan El Raddad, Sawsan Badr, Rihab El Gamal, Nesrine Amin, Nahed El Sebai, Mohamed Ramadan

En el nº 2.716 de Vida Nueva.

(J. L. Celada) Hace un par de años, Rodrigo García desvió el rumbo de su trayectoria para acabar estrellándose con sus Passengers a bordo de un thriller entre el suspense y lo sobrenatural. No ha tardado mucho, por fortuna, en volver a sus orígenes y recuperar el género (melodrama femenino coral), la estructura narrativa (vidas que se cruzan) y el estilo visual (cercano a esas series televisivas que le permiten financiarse producciones para la gran pantalla) de sus dos primeros trabajos: Cosas que diría con sólo mirarla y Nueve vidas, títulos que invitaban a seguirle la pista como director.

Dichas expectativas se confirman ahora con Madres & hijas, otra historia de mujeres en camino, rotas por el dolor de la ausencia, del arrepentimiento, de una maternidad frustrada (o de una filiación perdida)… Todo arranca con un embarazo adolescente y la entrega en adopción de la criatura recién nacida. Una decisión que condiciona el devenir de la cinta y el de sus respectivas existencias, hasta el punto de que cada nueva relación (personal o profesional) se ve lastrada por el miedo: a la decepción, a la soledad, al compromiso, al escozor de las heridas aún abiertas.

El realizador nos descubre entonces cómo la distancia entre madre e hija (unas espléndidas Annette Bening y Naomi Watts), que les ha privado de compañía, cariño y respeto mutuos, se convierte en presencia silenciosa y permanente de cada una en el corazón de la otra. Todo un proceso de sanación que pone de manifiesto que no hay parto sin dolor y que éste se extiende más allá del alumbramiento. Y, para que no falten otros puntos de vista sobre la maternidad, el realizador contrasta la peripecia de su pareja protagonista con la de una tercera mujer cuyo cuerpo se resiste al milagro de la procreación, abocándola al siempre complejo e incierto trámite de adoptar.

Con ellas y el resto de personajes (la participación masculina resulta casi testimonial, pero en muchos casos fundamental), asistimos a un emotivo recorrido por las veredas del alma, guiados por las miradas absortas, las palabras de consuelo, el llanto de bebés y adultos o el silencio. Son rostros que hablan de vulnerabilidad, del eterno aprendizaje para convivir con el miedo (progenitoras que temen tanto por sus pequeñas que hacen que éstas se mueran de miedo), de la llamada de la sangre, del tiempo dedicado (o no) a los tuyos, de independencias que no son tales, de dependencias que asustan…

Con Madres & hijas, el cineasta de origen colombiano regresa al lugar de donde nunca debió salir: la cocción de los sentimientos a fuego lento en un universo femenino que retrata con discreta elegancia, evitando asomarse al precipicio del tópico y del folletín. La sensibilidad no la ha perdido y cuenta con suficiente oficio para salir airoso de este sugerente desafío.

FICHA TÉCNICA

TÍTULO ORIGINAL: Mother and child

GUIÓN Y DIRECCIÓN: Rodrigo García

FOTOGRAFÍA: Xavier Pérez Grobet

MÚSICA: Ed Shearmur

PRODUCCIÓN: Lisa Maria Falcone y Julie Lynn

INTÉRPRETES: Annette Bening, Naomi Watts, Samuel L. Jackson, Jimmy Smits, Kerry Washington, Cherry Jones, David Morse

En el nº 2.715 de Vida Nueva.

(J. L. Celada) Quien más quien menos ha fantaseado alguna vez con la idea de hacerse invisible o, como mínimo, ha tenido la tentación de desaparecer lejos de la rutina y del compromiso con una realidad opresiva y hostil. Una decisión que casi nunca resulta fácil adoptar, salvo cuando un acontecimiento inesperado acaba proporcionando el empujón definitivo. Tal es el caso de la futura inquilina de Villa Amalia, una mujer que resuelve “apagar” su vida pasada cuando contempla cómo el hombre con quien ha compartido sus últimos quince años se besa furtivamente con otra.

Ella (una Isabelle Huppert que integra por derecho el top ten de las actrices actuales) es la protagonista del último trabajo de Benoît Jacquot, una historia que, en su poético discurrir, nos habla de soledades –elegidas e impuestas–, de opciones vitales y de exigencias morales, de perseguir sombras y de huir hacia la luz… Porque el recóndito hogar que da título a este bello viaje de búsqueda se abre en su desenlace a un horizonte incierto, el mismo con el que arranca semanas antes en una lluviosa noche de sospechas y recelos.

Una infidelidad es el detonante que pone en marcha la maquinaria narrativa de la cinta y la puerta de entrada a la peripecia existencial sin vuelta atrás de esa pianista y compositora en la plenitud de su carrera. Cada nota que sale de sus dedos e irrumpe en el teclado (o queda impresa en el pentagrama) se convierte en sutil acompañante de esta fuga hacia lo desconocido. Un camino que emprende también en pos de todo aquello que permanece latente y que irá desvelándose en el encuentro con un amigo de la infancia o con su anciano progenitor.

Aunque apenas si hay cabida aquí para la nostalgia y los reproches. Soltar lastre, renunciar a cuanto ha venido siendo y haciendo hasta ahora, supone abandonarse en brazos del sentimiento, sin tratar de entender, sólo de vivir. Una apuesta que hace suya el propio realizador, incorporando la música, los sonidos de la naturaleza y el silencio a la sobria arquitectura de un guión que huye de giros imposibles y otras estridencias sin que ello perjudique a la mirada compleja y profunda sobre el ser humano que propone Jacquot o a la serena contemplación de paisajes (especialmente, de la italiana isla de Ischia, frente al Vesubio) que propicia su limpia puesta en escena.

Villa Amalia no sólo nos permite volver a disfrutar del repertorio de matices que exhibe en cada nueva comparecencia una de las grandes de la interpretación, sino que nos reencuentra con una cinematografía como la francesa, que funde letra e imágenes en un delicado ejercicio creativo semejante al de una partitura. Y es que el arte, aunque retrate los misteriosos designios del exilio, jamás perderá su innata capacidad para conmover.

FICHA TÉCNICA

TÍTULO ORIGINAL: Villa Amalia

DIRECCIÓN: Benoît Jacquot

GUIÓN: Benoît Jacquot y Julián Boivent, sobre la novela homónima de Pascal Quignard

FOTOGRAFÍA: Carolina Champetier

MÚSICA: Bruno Coulais

PRODUCCIÓN: Edouard Weil

INTÉRPRETES: Isabelle Huppert, Jean-Hugues Anglade, Xavier Beauvois, Maya Sansa, Clara Hindi, Viviana Aliberti, Michelle Marquéis, Meter Arens

En el nº 2.714 de Vida Nueva.

(J. L. Celada ) El Año Sacerdotal ha echado el cierre sorprendido por la revolución silenciosa que está provocando en taquilla La última cima. Una evocadora imagen, a caballo entre la mística y el deporte, que da título al documental concebido por Juan Manuel Cotelo tras conocer a Pablo Domínguez. El encuentro se produjo apenas dos semanas antes de que este sacerdote madrileño de 42 años perdiera la vida descendiendo el Moncayo, en febrero de 2009. Ahora, un testimonio de hora y media, en boca de quienes mejor le conocieron, se postula como digno modelo sacerdotal en una época de descrédito para el colectivo.

Así nos lo presenta, al menos, el director cuando se dispone a relatarnos quién era y cómo vivía su ministerio el protagonista de esta historia. Y no será la única vez que Cotelo aparezca frente a la cámara sincerándose con el espectador, un recurso fílmico que confiere ritmo, contribuye a la progresión narrativa y dota a la cinta de ese aire de frescura y actualidad que tanto escasea en otras producciones religiosas. Sus pensamientos en voz alta (a modo de confidencias, ocurrencias y revelaciones varias), salpicados por multitud de opiniones a pie de calle (gente, entre tanta otra, que conoce buenos curas, pero que oye hablar mucho más de los malos), sirven de marco desde el que trazar el perfil biográfico de un hombre alegre, humilde, generoso, guapo, deportista…

Dan fe de todo ello profesores y alumnos de San Dámaso, compañeros sacerdotes y religiosas a las que predicaba un retiro, obispos y laicos, sus amigos de toda la vida y, por supuesto, su familia. Porque si algún testimonio resulta especialmente conmovedor en su afán de recordar la talla humana y espiritual de Pablo no es otro de que el de sus hermanos y el de sus padres… acompañando su crecimiento vocacional o encajando la dolorosa noticia de su repentina ausencia.

Y de las restantes apariciones, ¿qué se puede decir? Desde el respeto que merece alguien que despertó tanta admiración entre sus más allegados, sí cabe advertir que determinados gestos y palabras acaban por confundir humor con frivolidad y carisma con idolatría, con el consiguiente peligro de convertir a este “hombre de Dios” en un “producto de márketing”.

Su recuerdo ha cobrado hoy una inusitada fuerza con La última cima. Tanta que los cines se llenan para descubrir su “secreto”. Bien es cierto que la media de edad del público no parece certificar su convencimiento de que la Iglesia actual es “vitalista” y “emergente”. Y es que, ya sea por su bondad, su ingenuidad (otros prefieren llamarlo optimismo) o por cierta desconexión de esa otra realidad que circulaba paralela a la suya, el trabajo de Cotelo nos deja la impresión –excelente impresión, eso sí– de que Pablo era “un buen cura”, incluso un gran cura, aunque dudamos que fuera el mejor para estos tiempos hostiles y descreídos. “Sólo Dios” –que diría el cardenal Cañizares– lo sabe.

FICHA TÉCNICA

TÍTULO ORIGINAL: La última cima

DIRECCIÓN: Juan Manuel Cotelo

REALIZACIÓN: Alexis Martínez

PRODUCCIÓN: Manuel de Cominges, Antonio Torres, Javier de Silos

DIRECCIÓN DE ARTE: Raúl E. Recuero

SONIDO: Íñigo Guerrero

En el nº 2.713 de Vida Nueva.

(J. L. Celada) Periodista, soldado, gobernante, padre de familia ejemplar… Muchas son las referencias que nos brindan las biografías –autorizadas o no– de Benito Mussolini, pero ninguna había reparado en el dato que constituye el eje argumental de Vincere: el dictador italiano tuvo un hijo secreto con la joven Ida Dalser. Un vástago, fruto de un tortuoso romance, que encarna lo que fue también la relación del propio mandatario con su país: la seducción inicial por su persona se tornó sometimiento, hasta desembocar en la locura y el caos.

De la mano del veterano y siempre comprometido Marco Bellocchio, asistimos al ascenso de un hombre que desafía a Dios y al rey con su pose arrogante y su verbo desmedido. Sin embargo, será la mirada (primero cautivada, luego cautiva) de su amante la que nos vaya descubriendo las filias y fobias de aquel editor del Avanti que ya en 1914 se siente llamado a empresas más ambiciosas que las del mismísimo Napoleón.

Cegada por la pasión amorosa y por esa fascinación que en ella despierta el nuevo líder, nuestra protagonista (una espléndida Giovanna Mezzogiorno) se entrega en cuerpo, alma y mente a ese ferviente socialista que muy pronto confunde neutralidad con mediocridad, y guerra (“la higiene del mundo”) con audacia. Ni la noticia del embarazo que anuncia la llegada de su primogénito (“mejor un bautismo que un funeral”, se limitará a comentar impasible) desviará su atención del objetivo último de sus desvelos: un régimen fascista que sume a su pueblo en un trágico conflicto, guiado por la delirante consigna de “vencer o morir” como “única salvación”.

Ayudado por una hipnótica –aunque, en ocasiones, grandilocuente– fusión de imágenes reales de archivo en el desarrollo de la ficción, el director recrea este convulso período con la fuerza visual que exigen los dramas históricos de altura (y no lo decimos, precisamente, por el personaje en cuestión) y con un cierto enfoque crítico hacia instituciones de la época como la Iglesia, “la única madre a la que aún temen los fascistas”. Controvertida afirmación que Bellocchio aprovecha para acentuar el calvario que Ida Dalser sufrirá durante años, de manicomio en manicomio, por proclamar a los cuatros vientos la paternidad del Duce. Un periplo que culmina con su muerte en reclusión, arrancada de un hijo abocado a idéntico final. Y aunque en este último tramo el fresco histórico deriva en thriller psiquiátrico, no pierde un ápice de contundencia en su denuncia ni en su capacidad para conmover.

Dos rasgos, a la postre, que sitúan a Vincere en la estela de esas películas que nos someten al obligado ejercicio de juzgar la historia a través de los atribulados ojos de las víctimas. Y aquí hay una cuyo anonimato se toma ahora cumplido y digno desquite con esta interesantísima radiografía de los excesos humanos.

FICHA TÉCNICA

TÍTULO ORIGINAL: Vincere

DIRECCIÓN: Marco Bellocchio

GUIÓN: Marco Bellocchio y Daniela Ceselli

FOTOGRAFÍA: Daniele Cipri

MÚSICA: Carlo Crivelli

PRODUCCIÓN: Mario Gianani

INTÉRPRETES: Giovanna Mezzogiorno, Filippo Timi, Fabrizio Costella, Fausto Russo Alesi, Michela Cescon, Pier Giorgio Bellocchio, Corrado Invernizzi, Paolo Pierobon

En el nº 2.712 de Vida Nueva.

(J. L. Celada) Un joven vagabundo, que ha tratado sin éxito de quitarse la vida, y un anciano huraño y mal encarado, que se aferra a la suya tras sufrir un quinto infarto, cruzan sus destinos en una habitación de hospital. Tal circunstancia constituye el punto de partida y el cimiento sobre el que Dagur Kári levanta su último trabajo: The good heart, una historia en torno a las bondades del corazón, las que afectan a la salud cardiovascular y las que remiten a la generosidad como actitud vital.

Parisino de nacimiento, aunque criado en Islandia y formado para este arte en Dinamarca, el realizador se traslada ahora a Nueva York para narrarnos con sencillez y una evidente estética indie la relación que se establece entre su pareja protagonista (el veterano Brian Cox y el prometedor Paul Dano), siguiendo el ya clásico patrón del maestro y el discípulo. Un aspecto, sin embargo, resulta determinante en este proceso de aprendizaje: el escenario del mismo, un bar que por momentos nos devuelve al televisivo Cheers, si bien se abunda tanto aquí en una poética de la marginalidad que no sólo se aleja de aquel recordado establecimiento de Boston, sino que viene a emparentarse con no pocas producciones que extraen auténtico petróleo de esa épica de los perdedores.

Cierta ‘sociología de barra de bar’ defiende que los peores bares, a las peores horas, están llenos de la mejor gente. O, al menos, de los clientes más fieles, cabría matizar. Y de esa presencia variopinta y familiar se sirve el director y guionista para vehicular un discurso optimista acerca de la amistad, los malos tragos o el miedo a volar. Porque Un buen corazón siempre logrará sobreponerse al cinismo (y la misoginia) del arrogante dueño del local.

Frente a su manifiesta hostilidad hacia cuanto le rodea, su intransigente manera de entender el negocio y la despótica tutoría que ejerce sobre ese infeliz al que saca de la calle, Kári apuesta por la amabilidad de un ser vulnerable, dispuesto a descubrir las lecciones que se le brindan detrás de cada copa servida, de cada café molido, de cada rostro apostado al otro lado del mostrador… Cada ronda es una nueva oportunidad para aprender… también el oficio de camarero.

La irrupción de una mujer en un universo tan cerrado no hace sino reforzar este planteamiento, al tiempo que proporciona las necesarias gotas de humor y ternura a estos excéntricos personajes. Dos ingredientes que contribuyen a divertir y emocionar al espectador con la facilidad con que casi siempre lo hacen películas como The good heart, una cinta que recurre a tópicos y se mueve en el terreno de lo previsible, pero que acaba por desarmar y atrapar al más indefenso de los órganos: el corazón. Y esta sensación no se explica (ni se soluciona) con trasplantes.

FICHA TÉCNICA

TÍTULO ORIGINAL: The good heart

GUIÓN Y DIRECCIÓN: Dagur Kári

FOTOGRAFÍA: Rasmus Videbaek

MÚSICA: Dagur Kári y Orri Jonsson

PRODUCCIÓN: Skuli Malmquist y Thor Sigurjonsson

INTÉRPRETES: Brian Cox, Paul Dano, Isild Le Besco, Stephanie Szostak, Clark Middleton, Daniel Raymont

En el nº 2.711 de Vida Nueva.

(J. L. Celada) Que esta producción haya conquistado la Biznaga de Oro a la Mejor Película en la última edición del Festival de Málaga sugiere varias lecturas, muchas positivas, aunque vuelve a poner bajo la lente de la crítica un virus (y no es el de la rabia) que parece haberse inoculado en el cuerpo de este arte –jurados incluidos– de un tiempo a esta parte: el escaso aprecio por el noble oficio de la escritura. ¿Por qué, al valorar un trabajo, el guión queda relegado a menudo al papel de figurante (con frase, eso sí)?

Sólo eso (o la pobre cosecha de títulos a concurso) explicaría el galardón obtenido por Rabia, cinta que, por otro lado y como acabamos de apuntar, acredita interesantes méritos en su modo de concebir esta profesión. A cada cual lo suyo. Porque aquí, a donde no llega la pluma, trata de hacerlo una cámara que captura puntos de vista inéditos y planos que proclaman por sí solos las miserias, los secretos y los sentimientos de unos individuos cuyos silenciosos rostros hablan de soledad, indefensión… y rabia.

Amarrado a la que no pocos psicoterapeutas consideran la “hermanastra” de las emociones, el tercer largometraje del ecuatoriano Sebastián Cordero emprende viaje junto a un inmigrante que (nos) va descubriendo los excesos de esa rabia. Sin embargo, lo que comienza como una historia de cine social y de denuncia de las injusticias y el menosprecio que sufre ese colectivo deriva en un inquietante thriller, a caballo entre el género negro y los terrores cotidianos.

Juega un notable papel ese caserón señorial, escenario y metáfora de la decadencia (familiar y social), que realza la claustrofóbica atmósfera donde se dan cita, con eficacia narrativa y elegancia formal, la impotencia, la indignación, los celos, la pasión, la muerte… Desencadenantes (o consecuencias) de esa Rabia, la que avanza hacia un rotundo desenlace al ritmo que marcan las pulsiones irracionales y destructivas de nuestro hombre.

Pero ni un manejo así del tempo ni su atrevido empleo de los recursos fílmicos (fuera de campo, planos secuencia…) rescatan a este drama de tópicos y esquematismos maniqueos en el dibujo de sus personajes. Bien podría decirse que esta Rabia deja sentir por momentos su mordisco certero, aunque dista mucho de resultar contagioso. Se ha extendido tanto el viejo dicho de que “una imagen vale más que mil palabras”, que la letra ha perdido voz (en pantalla) y voto (en las deliberaciones). Preocupante síntoma y mal augurio para una industria huérfana de ideas y un público rendido a la desidia mental del 3D y otros signos de progreso.

FICHA TÉCNICA

TÍTULO ORIGINAL: Rabia

DIRECCIÓN: Sebastián Cordero

GUIÓN: Sebastián Cordero, sobre la novela homónima de Sergio Bizzio

FOTOGRAFÍA: Enrique Chediak

MÚSICA: Lucio Godoy

PRODUCCIÓN: Guillermo del Toro, Álvaro Augustin, Rodrigo Guerrero, Eneko Lizarraga y Bertha Navarro

INTÉRPRETES: Gustavo Sánchez Parra, Martina García, Concha Velasco, Xavier Elorriaga, Álex Brendemülh, Icíar Bollaín

En el nº 2.710 de Vida Nueva.